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PluralEnsemble

Concierto 30 Aniversario

30 de octubre de 2024

XV FESTIVAL DE ENSEMBLES. Música contemporánea
Entrada libre hasta completar aforo

Sala Negra. Duración: 1 h y 30 min (sin intermedio)


 Programa

Concierto Realizado con el apoyo de Azrieli Music Prizes Performance Fund

Notas al programa

Arras, de Keiko Devaux (1982)
En Arras (que significa un tapiz ricamente tejido), Devaux destila varios elementos que representan los entornos musicales y sonoros a través de su proceso compositivo personal. El resultado es lo que ella describe como «un caleidoscopio de influencias a lo largo de generaciones, culturas y géneros musicales dentro de mi historia sonora y la de mi familia».

Devaux se inspira en una gama de materiales que representan las profesiones de ambos lados de su árbol genealógico (el sonido del viento entre los campos, simbolizando la agricultura, y el de un telar mecánico, aludiendo al acto de tejer), los entornos naturales en los que vivieron (incluyendo patrones de comportamiento animal como los de los estorninos y las luciérnagas), así como las tradiciones musicales, tanto religiosas (el canto llano y el canto budista) como vernáculas (la chanson française y la música popular nipona-estadounidense) mediante las cuales expresaron sus identidades.

Para crear Arras, Devaux entrelazó dos tipos de diálogos en un tapiz sonoro rico. El primero es «un diálogo entre las diversas ramas de mi herencia cultural». Aquí, la compositora descompone y extrae elementos de estas ramas para encontrar puntos comunes inesperados entre ellas, encadenando fragmentos melódicos compartidos e identidades armónicas. 

El segundo tipo de diálogo es entre «las influencias y la nostalgia de mi pasado y mi propia voz contemporánea». Aquí es donde ocurre la verdadera recomposición, al combinar estos fragmentos a su manera. El aspecto principal de su método compositivo es interactuar con el material escrito a través de varias distorsiones: estirándolo, condensándolo, superponiéndolo, repitiéndolo, cortándolo, transponiéndolo e interpolando el material sin perder la conexión emocional con él.

Keiko Devaux

Kadosh Kadosh and Cursed, de Yitzhak Yedid (1971)
Se han escrito innumerables palabras sobre el conflicto israelí-palestino, y las opiniones proliferan incesantemente. Mis redes sociales están inundadas de todo tipo de artículos, actualizaciones de noticias, opiniones diversas, paneles de debate, así como vídeos, imágenes gráficas de muerte y agitación, mapas, caricaturas y mucho más. Las palabras son solo palabras, pero la música tiene otra dimensión. Siento que es mi obligación moral documentar en lenguaje musical estas escenas.

Kadosh Kadosh and Cursed, similar a algunas de mis obras recientes, fue influenciada por los trágicos eventos que ocurrieron en el momento en que la compuse. En ese tiempo, se produjeron enfrentamientos masivos entre judíos y musulmanes en el Monte del Templo en Jerusalén. El objetivo que me propuse con Kadosh Kadosh and Cursed fue ofrecer a los oyentes la oportunidad de sumergirse en las emociones de las personas en el Monte del Templo. Esta obra, articulada en dos partes, consta de veinticuatro cuadros o imágenes musicales interconectadas. Estas escenas sirven como un puente entre diversos enfoques compositivos que se originan en dos tradiciones musicales distintas y opuestas. Por un lado, hay una influencia de la música clásica árabe y los Piyyutim (canciones litúrgicas) judíos de influencia árabe. Por otro lado, la composición se nutre de las tradiciones europeas, la música de vanguardia y la improvisación libre.

En Kadosh Kadosh and Cursed, he examinado específicamente texturas heterofónicas distintas, incluyendo (1) la recitación del Corán de acuerdo con los maqamat y (2) la recitación de los Piyyutim y Baqashot (poemas litúrgicos) de la tradición de Alepo.

Encontré fascinante observar la sorprendente similitud en las prácticas de canto entre musulmanes y judíos en el Monte del Templo. El maqam utilizado por el Muadhán (la persona que canta para llamar a los musulmanes a cada una de las cinco oraciones diarias) resuena fuertemente desde los altavoces en la mezquita de Al-Aqsa, y las voces profundas de los cantores en el Muro Occidental (utilizando maqamat alternos para cada oración de Shabat durante todo el año).

Kadosh Kadosh and Cursed comienza con un estruendo seguido de una sección rítmica tranquila, inquietante y asimétrica. La sección titulada “como música árabe” se teje naturalmente a través de una transición cromática desde la primera. La textura viaja naturalmente de «oriente» a «occidente», reflejando los sonidos que se escuchan en el Monte del Templo, el “lugar cargado y explosivo” que inspiró la obra.

Kadosh Kadosh and Cursed se presenta como una “obra testimonial”, reflejando mi contemplación en el Monte del Templo en Jerusalén, un lugar de profunda santidad, espiritualidad y belleza, pero también un lugar situado en el corazón mismo de los conflictos religiosos entre grupos de judíos y musulmanes, y entre israelíes y palestinos. Es como la música de banda sonora de las personas que buscan la redención de sus propios pecados.

Yitzhak Yedid

Chamber Concerto nº 1, de Philip Cashian (1963)
Escrito en 1995, mi Concierto de Cámara nº 1 destaca la virtuosidad de los músicos y los diferentes grupos instrumentales de Birmingham Contemporary Music Group, quienes encargaron la obra. La música está dividida en secciones, cada una utilizando combinaciones instrumentales diferentes y contrastantes.

Hay quince secciones claramente identificables: con una sensación de urgencia; audaz y expresiva; seca y mecánica; danzante y avanzando; cadencia de oboe; transparente y fantasmal; más lenta (solo de clarinete); cadencia de tom-tom; con pasión; dura e impulsiva; turbulenta; jazzística; cadencia de violín; brillante; congelada.

Philip Cashian

Estro Poetico Armónico III, de Yotam Haber (1976)
El título de esta obra se toma de la colección de salmos de Benedetto Marcello (1686-1739), que compuso tras asistir y transcribir el canto litúrgico de la sinagoga de Venecia. En el prefacio de la primera edición, Marcello escribe sobre la conexión musical entre lo que escuchó en la sinagoga y una línea histórica transmitida de generación en generación, remontándose al monte Sinaí. Aunque esta afirmación no puede ser probada de ninguna manera, la idea es evocadora: una esperanza de que una antigua tradición oral pueda resistir el paso del tiempo y el cambio. Al igual que el juego del teléfono escacharrado, donde los niños susurran mensajes de un oído al otro, una tradición puramente oral nacerá.

El etnomusicólogo Leo Levi grabó a comunidades judías en Italia en las décadas de 1950 y 1960, especialmente la extraordinaria tradición romana. Estas grabaciones son una ventana a una tradición litúrgica que se está desvaneciendo, y me he visto atraído por ellas durante más de diez años.

He emparejado cada grabación que he elegido (una por movimiento) con un poema israelí que trata las realidades de la vida moderna en Israel mientras lidia con su historia.

Todas las grabaciones se utilizan con permiso del Dr. Edwin Seroussi y el Centro de Música Judía de la Universidad Hebrea de Jerusalén.

Yotam Haber

Concierto de Cámara, de Fabián Panisello (1963)
Los cuatro movimientos del Concierto de cámara (estrenado en 2005 en Lyon por el Ensemble Orchestral Contemporain) comparten la mencionada interpretación del espectro armónico en sus diversas apariencias. Según señala el propio compositor, es el último movimiento el punto de partida de la obra, ya que contiene el gran espectro del que deriva el primer movimiento, diatónico con episodios espectrales; el segundo, polimodal; y el tercero, polipentatónico.

El concierto de esta tarde incluye los movimientos II, III y IV.

El II, Cántico, da fe de una reinterpretación de la historia de la música tan apasionada como lúdica. El movimiento se basa en cinco melodías pertenecientes a diversos compositores de los siglos XII al XV. Tras la presentación del primer tema de Binchois, las cinco melodías se presentan simultáneamente en un onírico quodlibet, evolucionan a través de distintas modulaciones y transformaciones tímbricas y rítmicas y desembocan en una ecuación plenamente espectral.

III Lied ofrece un momento de distensión con su carácter lineal y delicado. Todo el movimiento está polarizado en torno a Re, de modo que, sobre el soporte pentatónico del plan inicial, nuestro oído percibe fragmentos de melodías desgranados de forma ajena al tiempo, sugeridos poéticamente mediante las distintas posibilidades tímbricas del sonido. Por fin, en el germen de la obra IV Shiftings, una figura es desplazada progresivamente, mostrando sus distintas facetas acórdicas y dando lugar a vertiginosos giros jazzísticos.

En la última sección, una gran catábasis revela la inclinación del compositor por el mundo de las analogías y el empleo de las figuras retóricas, que están presentes también en obras como las Cinco piezas métricas o los Cuadernos para orquesta.

Belén Pérez Castillo

Música contemporánea

Director
Fabián Panisello

Solista
Olga Syniakova, mezzosoprano

PluralEnsemble
Flauta, Lope Morales
Oboe, Ana Ruiz
Clarinete 1, Antonio Lapaz
Clarinete 2, José Viana
Fagot, Jesús Viedma
Trompa, José Chanza
Trompeta, Andrés Felipe Estrada
Trombón, Fabián Llácer
Arpa, Camille Levecque
Percusión 1, Eloy Lurueña
Percusión 2, Pablo Mor
Piano, Duncan Gifford
Violín 1, Ema Alexeeva
Violín 2, Guillermo Santonja
Viola, Ana María Alonso
Violonchelo, Carlos Sánchez
Contrabajo, Eduardo Anoz

Información práctica

  • Fechas y Horarios

    Sala Negra
    30 de octubre, 19.00 h