Canal Baila

Esta es la 13ª edición de residencias artísticas en el Centro Coreográfico Canal para creadores y compañías profesionales (consolidadas o emergentes). La finalidad de este programa de residencias, mediante la puesta a disposición a creadores y compañías de las salas del Centro Coreográfico, es apoyar la creación y consolidar el tejido profesional y empresarial de las compañías, facilitando recursos y espacios con unas condiciones excepcionales que permitan a estos artistas investigar, crear, desarrollarse y compartir los procesos creativos.

Descarga aquí el programa de mano de CANAL BAILA

2 y 3 de septiembre: ALLAN FALIERI. TITUN. The Serendipity Of The Black Swan’s Death

El trabajo será realizado por un intérprete heredero de la diáspora africana, donde reflexiona sobre el papel que el pasado ha dejado como legado y donde sus inquietudes lo impulsan a transitar por las esferas de género, clase y heterotopía.

“Titun” en yoruba significa “nuevo”. Un cuerpo nuevo. Un cuerpo que se convierte en una mejor versión de sí mismo. Un cuerpo que se presenta como político, diverso, presente, en el que su sola existencia es suficiente y no requiere nada más para validar su identidad.

Una identidad que sacudirá las estructuras al ocupar espacios donde antes no se permitía su presencia.

“La identidad es nombrarte a ti mismo”.
Édouard Glissant

Género: danza contemporánea
Estreno
País: Brasil
Duración: 50 min
Encuentro con el público tras finalizar la función: 2 de septiembre

Concepto, coreografía e interpretación: Allan Falieri
Asesoría artística: Luiz Antunes
Música: Brenda Sayuri & Rubéns Allan
Diseño de luz: Gloria Montesinos (A.A.I)
Diseño de vestuario: Filipe Augusto / Jon Marmol
Fotografía: Margarida Dias
Vídeo: Rafael Magalhães / Aloga Filmes
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros del Canal Apoyo cultural: O Espaço do Tempo, 23 Milhas-Ílhavo y CAB/Centro
Coreográfico Lisboa.

7 y 8 de septiembre: LA INTRUSA – VIRGINIA GARCÍA / DAMIÁN MUÑOZ. PRUSIK

Prusik es el nombre de un nudo de agarre y bloqueo. Es una atadura de fricción que se suelta al liberar la presión. Un nudo de salvación.

Utilizamos la metáfora del nudo Prusik para representar el universo de una comunidad. Buscando nuevos parámetros se autodestierran con la propuesta de una nueva humanidad. Para no construir lo mismo y desde el coraje crear algo nuevo en relación a los vínculos, al deseo, al anhelo de ser libres, a la naturaleza original del ser; a la desnudez de uno mismo, a la emoción, al trabajo, a la familia, al planeta… Para recuperar la inocencia del devenir, para volver a jugar en paz y reencontrar la identidad que precede a la separación. Es urgente y necesario asaltar el Edén y recuperarlo.

Género: danza contemporánea
Estreno
País: España
Duración: 1 hora y 5 minutos
Encuentro con el público tras finalizar la función: 7 de septiembre

Idea y dirección: Virginia García y Damián Muñoz
Dramaturgia: Virginia García
Creación e interpretación: Carmen Fumero, Virginia García, Helena Gispert
Comunidad PRUSIK Madrid: María Casares, Paula Montoya, Isabella Rossi y Olaia Valle
Música: Jesús Díaz (Making Music in Silence)
Vestuario: La Intrusa
Iluminación: La Intrusa / Daniel Badal
Técnico de iluminación y sonido: Daniel Badal
Producción y management: Cane (N. Canela)
Una producción de LA INTRUSA con el apoyo y colaboración de: Gobierno Vasco y Donostia Cultura- Teatro Victoria Eugenia
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros del Canal

11 y 12 de septiembre: THE COLECTIVO – VICTORIA P. MIRANDA. Besta

Besta: una pieza sobre la bestia que lleva dentro el ser humano, dando igual el sexo que tengamos.

“Una humanidad ausente fuera del camino.” Emma Dante

“Nuestra bestia interior no es más que nuestra sombra, las partes heridas de nuestra historia que aún no hemos trabajado.”

Me sumerjo en algo muy complicado para mí pero que al mismo tiempo me inquieta y me ronda mucho en mi interior. Siempre, en mi trabajo, abordo el tema animal desde muchos lugares y en esta ocasión quiero ir un paso más allá.

Me gustaría romper las barreras de la expresión corporal, de la resistencia física, de la presencia muda, del riesgo, el dolor y el abandono en post de una actuación más allá del teatro y de la danza en el terreno de aquelarre ritual, de la invocación catártica, de una mezcla divino-humana-animal que conmocione y no tenga explicación lógica. Trabajando desde las vísceras. Para mí es muy importante el sentimiento y que cada movimiento viene de un lugar interno de cada intérprete. Trabajaremos sobre imágenes y textos sobre Emma Dante y su famosa Bestias de escena.

Cinco interpretes con una fisicalidad y resistencia que les transportará a otra forma de moverse.

Llegar a estar tan extenuado que es en ese preciso momento donde lo más puro y real sale a la luz.

Donde quiero encontrar a la BESTA de cada uno.

Género: danza contemporánea
Estreno 
País: España
Duración: 1 hora
Encuentro con el público tras finalizar la función: 11 de septiembre

Creación, dirección y coreografía: Victoria P. Miranda
Interpretación: Ana Fernández, Jerónimo Ruiz, Raúl Pulido, Lucía Burguete, María Fagundez
Diseño de iluminación: Olga García
Asistente y repetidor: Indalecio Séura
Diseño de vestuario: Matias Zanotti
Colabora: Galicia Danza Contemporánea
Apoyos: Compañía Nacional de Danza, Surge Madrid 2020 y Centro Coreográfico Canal
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros del Canal

16 y 17 de septiembre: DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO. EXPULSION! (dance riot)

«Expulsión es un conjunto de piezas de danza inspiradas por el ensayo “Vigilar y castigar”, publicado por Michel Foucault en 1975. Se construye a través de la mirada de un librepensador a un texto que presagiaba el cortocircuito global de las sociedades actuales, analizando la nuevas éticas de encierro y la difusión operativa de sus reglas y modelos, incluso estéticos, a otros sistemas de represión sutiles y hoy omnipresentes fuera de las cárceles: la llegada de un mundo más cruel donde la justicia y la decencia moral se posponen ante la urgencia de encontrar equívocas y fáciles soluciones.

Expulsión plantea una cárcel imaginaria, donde ficción y realidad se entrecruzan para mostrar los grandes conflictos del ser individual y el ser social. Donde los choques culturales, la migración, las relaciones de poder y sometimiento, la fragilidad de los derechos humanos ante la banalidad del mal y la ausencia de utopías meridianas se enfrentan a la incomprendida esencia física del ser: sus miedos y deseos, su fuerza y esperanza, su lealtad o desconfianza, sus rituales espirituales… Es, como mencionaba el propio Foucault, la certificación del alma como cárcel del cuerpo, y la explicitación de las barreras que los propios individuos creamos para tratar de eliminar aquello que consideramos disidencia, que no deja de ser más que una esperanza distinta de libertad individual.

Expulsión utiliza la escena y el cuerpo de sus bailarines, una suerte de arcano aglutinador de movimientos en su forma más amplia, como un arma política y cultural, para forzar una reflexión esperanzadora en el público, a modo de bálsamo o ritual de curación, desde donde tratar de superar esa infinidad de dudas y preguntas sin respuesta que nos ofrece hoy el presente».

Guillermo Espinosa

Género: danza urbana
Estreno
País: España
Duración: 1 hora
Encuentro con el público tras finalizar la función: 16 de septiembre

Dirección y coreografía: Dani Pannullo
Bailarines: Alexander Peacock, Christian Gutiérrez, Julián Gómez, Samuel Martí, Gilberto Hernández
Diseño de vestuario: Maison Mesa
Diseño de iluminación: Lola Barroso
Diseño de escenografía: Dani Pannullo
Diseño de sonido: Tzootz
Fotografía: Rafa Galar y Jaro
Arte: Manuel Rodríguez
Producción: Ritmos del Mundo
Management: Claudia Morgana
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros del Canal

21 y 22 de septiembre: CÍA ARNAU PÉREZ. Fridge

Fridge surge de la idea de replantear las expectativas. Cómo deconstruir o reconstruir la escena a través del análisis de las acciones y la expectativa o imaginario futuro que generan. Cada acción plantea o sugiere en nuestra mente un escenario concreto a acontecer, ahí es donde Fridge, a través del movimiento, busca su marco de creación.

Una nevera (fridge) es un objeto de almacenamiento donde concebimos que solo puede contener ciertos alimentos u objetos, por lo tanto, genera unas expectativas preconcebidas muy concretas sobre su contenido. A veces, la escena se nos plantea como una idea concreta sobre el contenido de ese espacio escénico, y nos reducimos a unas expectativas precisas de lo que se va a accionar o se puede desarrollar allí.

¿Qué ocurre al sacar unas gafas de una nevera?

Género: danza contemporánea
Estreno 
País: España
Duración: 1 hora
Encuentro con el público tras finalizar la función: 21 de septiembre

Dirección y coreografía: Arnau Pérez
Interpretación: Olympia Kotopoulos,
Maddi Ruiz de Loizaga, Paula Montoya, Jerónimo Ruiz, Javier de la Asunción
Asistencia artística: Olympia Kotopoulos
Diseño sonoro: Toromecánico y Casasnovas
Diseño de iluminación y dirección técnica: Álvaro Estrada
Vestuario: Gemma Espinosa
Escenografía: Sergi Cerdán
Diseño gráfico y créditos: Gorka Plans
Imagen y producción: Diego Pérez
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros del Canal

25 y 26 de septiembre: ESTÉVEZ / PAÑOS Y COMPAÑÍA. La confluencia

Una nueva lectura de la raíz de los códigos del arte flamenco.

La confluencia es un proyecto que tiene como objetivo la creación coreográfica desde un lenguaje de baile flamenco actual que se alimenta de su pasado y de su raíz y también del arte contemporáneo. Un baile flamenco que es hijo del tiempo que estamos viviendo…

Ocho hombres, ocho perfiles muy concretos que a través de la música y el baile encarnarán al flamenco, al campesino, al bolero, al gitano, al bailaor, al cantaor, al pregonero, al majo, al manolo, al esclavo, al converso, al huido, al guitarrista, al barbero, al preflamenco, al montañés, al americano, al andaluz, al hombre… al hombre contemporáneo.

Género: flamenco contemporáneo
Estreno 
País: España
Duración: 1 hora
Encuentro con el público tras finalizar la función: 25 de septiembre

Baile: Rafael Estévez, Valeriano Paños, Jesús Perona, Alberto Sellés, Jorge Morera
Cante: Rafael Jiménez “Falo”
Guitarra: Claudio Villanueva
Percusión: Iván Mellén

Dirección, idea original, coreografía: Rafael Estévez y Valeriano Paños
Música original: Claudio Villanueva
Música: popular del flamenco y del folclore, Rafael Jiménez “Falo”, Iván Mellén, Rafael Estévez
Guion, repertorio, selección de textos: Rafael Estévez, Rafael Jiménez “Falo”
Textos: populares
Diseño de iluminación y dirección técnica: Olga García (a.a.i)
Espacio escénico, vestuario y atrezo: EPCIA
Sonido: Chipi Cacheda
Técnico de luces: Olga García,
Manuel Colchero o Álvaro Estrada
Regiduría y coordinación: María José Fuenzalida
Coordinación, producción y road-manager: Patricia Garzón, Aurora Limburg, Rocío Sánchez
Gestión y administración: GNP Producciones
Distribución nacional: Estévez / Paños y Compañía, Patricia Garzón (GNP Producciones), Carmen Cantero
Distribución internacional: Aurora Limburg
Producción ejecutiva: GNP Producciones y Estévez / Paños y Compañía
Apoyo a la producción: Instituto Andaluz del Flamenco (Agencia Andaluza de Instituciones Culturales – Consejería de Cultura Junta de Andalucía)
Espectáculo creado en residencia artística en: Centro Coreográfico Canal
Comunicación: Ángela Gentil, Virginia Moriche, Surnames, Narradores Transmedia
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros del Canal

30 de septiembre y 1 de octubre: PROYECTO CANO&AIBAR. Todas las noches

Todas las noches es la cristalización del proceso artístico establecido entre dos mujeres creadoras con un bagaje muy particular, así como una manera muy personal de entender el arte como forma de expresión, como son Sara Cano y Vanesa Aibar. Este encuentro coreográfico, enmarcado en una danza conceptual que oscila entre el flamenco y la danza contemporánea, es entendido por ambas mujeres como una dinamo, como un continuo generador de energía creada a partir de la potencia y el movimiento de ambos cuerpos, acompañados por la presencia de María Marín, una artista cuya trayectoria la ha llevado a conjugar guitarra y voz de una igual manera altamente potente y personal.

A través del encuentro de estas tres mujeres, entramos en el terreno de la noche, de lo desconocido, lo velado, lo oscuro, lo festivo, lo onírico, lo salvaje. La noche, universalmente relacionada con lo femenino y con el inconsciente es el motor de esta obra, partiendo del caos, de la oscuridad y de lo indeterminado para, a través de esa energía potente y primaria, generar su propio Big Bang, llevando así a la luz, al mundo consciente, universos luminosos que permanecían latentes en la oscuridad del inconsciente. Se establece así una analogía entre dos mundos: oscuridad-noche-inconsciente frente a luz-día-consciente y el continuo devenir entre uno y otro, entendiendo este devenir como el mismo acto de crear, como la misma creación artística y lo que ésta conlleva.

Plantean así estas creadoras cómo partir de todas las noches para parir su propio universo: fuerte, potente, femenino, delicado y salvaje a la vez, hecho de los cuerpos celestes alimentados por la carne, la voz y la energía generada por la colisión de estos tres cuerpos.

Género: flamenco contemporáneo
Estreno 
País: España
Duración: 1 hora
Encuentro con el público tras finalizar la función: 30 de septiembre

Dirección, coreografía e interpretación: Sara Cano & Vanesa Aibar
Acompañamiento artístico: Juan Carlos Lérida
Dramaturgia: Francisco Sarabia Marchirán
Composición musical: María Marín, Frank Moon
Adaptación letras, guitarra y voz: María Marín
Espacio sonoro: José Torres
Espacio escénico e iluminación: Cube.bz
Fotografía/vídeo: Carlos Bonilla
Producción: Gestora de Nuevos Proyectos Culturales
Management: Elena Santonja
Espectáculo creado en Residencia Artística en Espacio de Creación Silvestre La Muela, Centro de Creación La Aceitera y Centro Coreográfico Canal
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros del Canal
Proyecto en colaboración con la Junta de Andalucía, Agencia Andaluza de Instituciones Culturales

5 y 6 de octubre: LUCÍA MAROTE. El ojo del huracán

En un huracán el ojo es la zona de calma que se forma en su centro, rodeada por los vientos violentos de la tormenta. En El ojo del huracán buscamos ese estado de calma en medio del movimiento generado a través de la acción continuada de girar. Partiendo de un orden ritual, seis cuerpos transitan un viaje hacia un caos orgánico, basado en la confianza y en la entrega sin reservas, donde se comparte un estado de concentración a la vez personal y colectivo. La perseverancia y la continuidad conllevan una transformación donde la individualidad aflora sin intención, y se abre la posibilidad de rendirse a un espacio y unas fuerzas que van más allá de las posibilidades de control.

Género: danza contemporánea
Estreno 
País: España / Costa Rica
Duración: 1 hora
Encuentro con el público tras finalizar la función: 5 de octubre

Idea y dirección: Lucía Marote
Danza: Alberto Alonso, Clara Pampyn, Diego M. Buceta, Lucía Marote, Paula Santos y Tania Garrido
Diseño de sonido: Peter Memmer
Diseño de iluminación: Sergio García Domínguez
Dramaturgia: Poliana Lima
Diseño de vestuario: Lucía Marote y la compañía
Confección de vestuario: Ana Trejos
Asistencia a la producción: Mar López
Colaboradores: Centro Coreográfico Canal, La Caldera Barcelona, La Nave del Duende
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros del Canal

9 y 10 de octubre: MAR AGUILÓ. STELLA

ESTE ESPECTÁCULO HACE USO DE LUCES ESTROBOSCÓPICAS 

En Madrid, en la calle Arlabán, una bolera se reformó en los años ochenta para convertirse en un club, la sala Stella. Ese transformado nuevo Mondo creó noches y abrió caminos. Muchos de ellos inexplicables. Un espacio mutante, cambiando de nombre y de público, que para nosotros fue The Room. Un recuerdo de aquello es quizás el inicio de esto.

Ahora, Roberto Fratini habla de la noche como evento cósmico; dice que, como pieza, Stella – “estrella” – es quizás étoile de ballet -, y añade que es “Una composición que reinterpreta la concitación onírica de la pista, sus escaladas rítmicas y saturaciones sonoras como formas de la inminencia: como si en todo momento sobre sus cuerpos diáfanos, incandescentes, resplandeciera, sin concretizarse nunca, la amenaza de una catástrofe silenciosa e incalculable, parecida a la misma convulsión inorgánica que deshace galaxias. La pista es un apocalipsis siempre postergado, invariablemente abocada al desencanto de un amanecer que apaga las estrellas, los focos, los estrobos y demás artilugios estudiados para volver fantasmas los cuerpos que la habitan. Son por definición los revenants y habitués de las tinieblas, los que vuelven».

Stella de Mar Aguiló es parte de un proceso en el que, con ELAMOR, se buscan y hacen noches. Llevando coreografías a fiestas de Madrid y Milán y trayendo la noche a los estudios de danza, apagando luces, bajando persianas, subiendo el volumen, recordando sensaciones, o buscando movimientos del club en el aula.

Género: danza contemporánea
Estreno 
País: España
Duración: 1 hora
Encuentro con el público tras finalizar la función: 9 de octubre

Dirección y coreografía: Mar Aguiló
Codirección: Eduardo Rivero
Colaboración en la coreografía e interpretación: Mar Aguiló, Benoit Couchot, Guillem Jiménez, Helena Olmedo, Yae Gee Park, Shlomi Sholomo Miara, Irene Tena
Composición sonora: AIRE
Iluminación: Oscila Estudio
Dramaturgia: Roberto Fratini
Arte: Perla Zúñiga
Vestuario: Andrea Pimentel
Producción y distribución: ELAMOR
Vídeo: Lourdes Cabrera / Elena Feduchi
Fotografía del cartel: Hugo de la Rosa
Diseño gráfico: Esteve Padilla
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros del Canal y ELAMOR

Agradecimientos: Juan Domínguez, Marion Barbeu y a todxs lxs bailarinxs que nos han acompañado en el aula

14 y 15 de octubre: RIVA & REPELE. la Gert

Valeska Gert podría considerarse una de las artistas alemanas más ambiguas e ignoradas. Fue bailarina, actriz y estrella de cine y cabaret. Fue una artista pionera en el mundo de las performances, de quien se dice ha sentado las bases y ha abierto camino para el movimiento punk. Gertrud Valesca Samosch, conocida como Gert, nació en el seno de una familia judía en Berlín.

Su amor por la moda ornamental le condujo hacia una carrera profesional en el mundo de la danza y en el arte de las performances.

Libremente inspirados por su vida y su extraordinaria expresión corporal, el concepto artístico que gira alrededor del personaje de Valeska Gert pretende reproducir, a través de nuestro lenguaje coreográfico, alguna de las más reconocidas actuaciones que llevó a cabo durante su actividad profesional vinculándolas a nuestra narración personal.

Su tosca personalidad y la emergencia de comunicar a la audiencia su fuerte emotividad casan perfectamente con nuestra visión artística. Un argumento moderno que conecta los detalles sobre la vida de Gert y momentos inspirados en situaciones que cada uno de nosotros probablemente podría atravesar durante nuestro tiempo en la tierra.

La creación pivota en torno a cuatro artistas, dos hombres y dos mujeres. La música queda a cargo de Richard Wagner and 17Hippies.

Simone Repele y Sasha Riva

Género: danza neoclásica – contemporánea
Estreno
País: Suiza
Duración: 1 hora
Encuentro con el público tras finalizar la función: 14 de octubre

Coreografía: Simone Repele & Sasha Riva
Bailarines: Rena Narumi, Sara Ezzell, Sasha Riva, Simone Repele
Diseñador de vestuario: Francesco Murano
Coproducción: Centro Coreográfico-Teatros del Canal

Promoción especial:

• 25% de descuento comprando conjuntamente para 3 de los espectáculos del ciclo CANAL BAILA. Solo en taquilla.

Precios especiales: 

• Carné Joven y < de 25 años*: 15 €
• Desempleados*: 15 €
• Personas en ERTE*: 15 €
• Mayores 65 años*: 15 €
• Familia numerosa*: 15€
• Asociaciones (solo en taquilla)*: 15 €

  *Una localidad por carné. Necesaria acreditación.

• Personas con diversidad funcional, problemas de movilidad y acompañante:2 x 1. Según aforo disponible y que cumplan con el baremo de movilidad reducida que acredita su certificado de discapacidad. Al acceder a la sala se solicitará el certificado de discapacidad. Venta solo en taquilla. Se pueden reservar por teléfono: 91 308 99 99. Los certificados de discapacidad que fueron tramitados antes de enero de 2000 no tienen incluido el baremo de movilidad con lo que han de dirigirse al Centro Base que les corresponde para que sean valorados.

Descuentos no acumulables entre sí.

IVA y gastos de distribución/ticketing incluidos en el precio.
El precio de las entradas es el mismo tanto en taquilla como en la web de Teatros del Canal.

Información útil

• AVISO IMPORTANTE: Le informamos que en virtud de la normativa vigente, el aforo será del 100%. 
  En todo caso, será obligatorio el uso de mascarilla para acceder a la sala y durante todo el tiempo que se permanezca en el Teatro.
• Las entradas para personas en silla de ruedas solo se podrán adquirir en taquilla, si lo desea puede reservar las localidades llamando al 913089999 y solicitando hablar con taquilla.

• Para la comodidad de todos los asistentes recordamos que, independientemente de la edad, será imprescindible adquirir una entrada para el acceso a las salas y la ocupación de las mismas.

• Acceso a sala para compras por internet: Pueden traer las localidades impresas o si lo prefieren, también pueden descargar el archivo en su dispositivo móvil para mostrarlo al acceder al teatro.