XXVI FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA 2011

La Comunidad de Madrid, en su compromiso con las artes escénicas, celebra la vigésimo sexta edición del Festival Internacional Madrid en Danza con un doble objetivo; por un lado, mostrar una completa visión de la coreografía actual de nuestra región y, por otro, impulsar a una nueva generación de creadores coreográficos.

SALA ROJA

1)- 11, 12 y 13 de noviembre: Poppea / POPPEA–Gauthier Dance Company (Alemania)

Para su nueva producción Christian Spuck se ha inspirado en la última ópera de Claudio Monteverdi L’incoronazione di Poppea. La historia de la boda del emperador Nerón y Poppea Sabina golpea hasta hoy en día por su fría mirada analítica sobre la codicia y el amor obsesivo en la corte del emperador romano. Al final, todo sucumbe a la fuerza elemental de un amor, comprendida de manera provocadora por algo totalmente amoral.

 El director designado del Ballet de Zúrich, se dejó inspirar por la acción de esta extraordinaria ópera para crear un seductor experimento coreográfico, que incluye elementos fílmicos y hablados. En la escenografía minimalista de Emma Ryott que pone fuertes acentos, Spuck se vuelca en los nueve bailarines, y sus relaciones cambiantes y las relaciones de poder entre sus caracteres. Rápidamente se van borrando las fronteras entre la realidad y la ficción. El juego dentro del juego se transforma en acción brutal, cuando la mezcla explosiva de emociones despliega sus efectos mortales. La música maravillosa de Monteverdi se convierte en cita y acompaña a los bailarines de Gauthier Dance, en un juego de engaño, de amor y traición, sexo, asesinato y una total voluntad de poder.

 Con esta producción se repite la colaboración entre Christian Spuck y el Theaterhaus Stuttgart. Para el 80 aniversario de John Cranko, el coreógrafo había creado en 2007 el celebrado dúo Don Q. con Egon Madson y Eric Gauthier. Invitado por Eric Gauthier, Spuck crea ahora por primera vez un ballet de larga duración para la compañía.

Sobre la compañía.

Gauthier Dance es una compañía joven y dinámica de bailarines versátiles y de gran personalidad, dirigida por el bailarín, coreógrafo y músico Eric Gauthier. Como Compañía Residente del Theaterhaus Stuttgart, Gauthier Dance presenta una emocionante danza contemporánea creada por el mismo Gauthier y coreógrafos de renombre internacional como Mauro Bigonzetti, William Forsythe, Itzik Galili, Jirí Kylián, Paul Lightfoot / Sol León y Hans van Manen.

 Eric Gauthier, estrella del panorama alemán y premio “Futuro” 2011, es conocido por sus coreografías muy originales y llenas de humor. Fundada en octubre 2007, Gauthier Dance se ha convertido rápidamente en una de las compañías contemporáneas más pujantes de Alemania. Recientemente, Gauthier Dance ha actuado en Munich, Bonn, Luxemburgo, Sofía, Linz, Houston, Innsbruck y en el Festival des Arts de Saint-Sauveur (Canadá) entre otras ciudades. En 2010, Gauthier Dance estrenó POPPEA//POPPEA, coreografía de Christian Spuck, elegida como una de las 10 mejores producciones de la temporada 2009/2010, por la revista británica Dance Europe.. El programa Out of the Box IIincluyó una versión estereoscópica de la creación de GauthierThreesome, que se proyectó como corto conjuntamente con la película de Wim Wenders PINA, y fue visto por más de 40.000 espectadores alemanes. Además de las actuaciones que siempre llenan las butacas de su teatro de residencia, el Theaterhaus Stuttgart, Gauthier trabaja en un programa educacional y de promoción social, el primero de su tipo en Stuttgart: Gauthier Dance Mobile. Con un repertorio de obras especialmente adaptadas que se pueden presentar en pequeños espacios con un equipo técnico limitado, Gauthier Dance Mobile lleva la danza contemporánea a los niños y adolescentes en centros de barrio, así como a un segmento de nuestra sociedad que de otro modo no tendrían oportunidad de disfrutar de esta forma de arte.

 El Theaterhaus Stuttgart, abierto desde 1985, es un singular centro cultural en la ciudad de Stuttgart. Su programación incluye teatro, música, danza, cabaret, comedia, literatura, debates políticos y el teatro dispone de un total de cuatro escenarios. El Theaterhaus tiene una larga tradición de producir y presentar Tanztheater (danza teatro): las más conocidas son las colaboraciones entre Marcia Haydée e Ismail Ivo. Gauthier Dance es la primera compañía residente de danza contemporánea en Stuttgart.

Christian Spuck comenzó su carrera en el Ballet de Stuttgart. Primero como estudiante de la Escuela John Cranko, luego como coreógrafo y finalmente como coreógrafo residente pudo desarrollar allí una escritura personal e inequívoca, que caracteriza su obra hasta hoy, desde que sus primeras piezas cortas (Dos amores, Siebte blau, Le Grand Pas de deux), pasando por los ballets de larga duración (Lulu: una tragedia de monstruos, Der Sandmann – El hombre arena), hasta el teatro musical(Orphée et Euridice). Se distingue por su precisión, inteligencia, y su natural aproximación al material de los grandes clásicos. Entretanto, Spuck crea con gran éxito a nivel internacional, en particular para el Ballet Real de Flandes, el Aterballetto, el Ballet Real de Suecia, el Ballet Nacional de Finlandia, Hubbard Street Dance 2, Chicago, y el Ballet Nacional de Noruega. No le falta el reconocimiento de los medios especializados. Spuck fue galardonado con el Premio Alemán de Danza “Futuro” al mejor coreógrafo en 2005, fue nominado para el Premio Benois de la Danse en el mismo año; su coreografía POPPEA//POPPEAestá nominada para el premio FAUST de los teatros alemanes en la categoría Mejor Coreografía del año 2011. A partir de la temporada 2012/13, Christian Spuck será sucesor de Heinz Spoerli como director del Ballet de Zúrich.

 Spuck fue nominado para el Prix Benois en 2005 y galardonado con el Premio Alemán de Danza “Futuro” al mejor coreógrafo en 2006; su coreografía POPPEA//POPPEA está nominada para el premio del teatro alemán “DER FAUST” en la categoría Mejor Coreografía del año 2011.

2)- 17, 18, 19 y 20 de noviembre: NEW WORK BY ÉDOUARD LOCK / La La La Human Steps (Canadá)

Sobre la obra.

Una nueva creación que marca el 30 aniversario de La La La Human Steps. La técnica de ballet acelerada, precisa, y al servicio de la narrativa deconstruida a partir de dos óperas emblemáticas. Ritmo febril y lenguaje gestual, que trata sobre dos trágicas historias de amor: Dido y Eneas de Purcell, y Orfeo y Eurídice de Gluck. Dos obras diferentes por su compositor, época y tema, pero que tejen una historia sobre la sombra y el final del amor, más que sobre la fase romántica. Una danza compleja ritmada por micro momentos que unen las dos óperas en una continua oda sobre la partitura de Gavin Bryars para piano, chelo, viola y saxofón, interpretada en directo por un cuarteto.

Sobre la compañía.

La La La Human Steps fue fundada en 1980 después de tres semanas de actuaciones en el teatro l´Eskabel del distrito de St-Henri de Montreal, lo que llevó la compañía a The Kitchen en la ciudad de Nueva York, epicentro de la danza contemporánea en ese momento. Desde entonces La La La Human Steps se ha convertido en una de las compañías de danza más reconocidas del mundo, gracias al lenguaje coreográfico único que ha desarrollado y reinventado desde sus comienzos.

La compañía exige que sus bailarines se redefinan constantemente, se cuestionen y renueven ellos mismos, para sacar a la luz actuaciones que van desde el extremo a la lírica. La compañía de Montreal ha colaborado con instituciones y artistas tan diversos y eclécticos como la Ópera de París y Frank Zappa. En los últimos 30 años La La La Human Steps ha encargado trabajos originales a compositores alternativos y contemporáneos como Rober Racine, West India Company, Einstürzende Neubauten y David Van Tieghem, Iggy Pop, Shellac of North America, My Bloody Valentine, Gavin Bryars y David Lang, ganador del premio Pulitzer.

Desde Human Sex en 1985, la compañía ha estado a la vanguardia de la escena de danza internacional, girando con cada producción durante dos años, en las mayores capitales de Europa, Asia y América. El fundador de La La La Human Steps, Director artístico y coreógrafo Edouard Lock, comenzó su carrera coreográfica con 20 años, creando piezas del 1974 a 1978 para Le Groupe Nouvelle Aire y en 1979 para Les Grands Ballets Canadiens de Montreal. A lo largo de los años el Sr. Lock ha sido invitado a crear para algunas de las compañías más importantes del mundo, incluyendo el Ballet de la Ópera de París, el Het Nationale Ballet de Holanda y el Nederlands Dans Theater. Sus trabajos han obtenido muchos galardones, incluyendo el premio coreográfico Chalmers (1982, 2001), el New York Dance and Performance Award o el Bessie (1986); el premio Denise-Pelletier (2001), el premio del National Arts Centre (2001) y el premio coreográfico Benois 2003 en Moscú por AndréAuria creado para el Ballet de la Ópera de París en octubre de 2002. En 2010, recibió el Performing Arts Award del Gobernador General por toda su realización artística. Ese mismo año fue beneficiario del premio Canada Council for the Arts Molson.

La Universidad de Quebec en Montreal le galardonó como doctor Honoris causa (2010). Co-concibió y fue el director artístico de la gira mundial de David Bowie,Sonido y Visión (1990). También ha colaborado con Frank Zappa en el concierto del Yellow Shark junto al Ensemble Modern de Alemania. Invitado por Robert Carsen y la Ópera de París, el Sr. Lock coreografió la producción de Les Boréades en 2003, interpretado por La La La Human Steps en el Palais Garnier. El Sr. Lock es Caballero de la Orden de Quebec desde 2001, Oficial de la Orden de Canadá desde 2002.

3)- 24, 25 y 26 de noviembre: FAR / Wayne Mc Gregor / Random Dance Company (Reino Unido)

SALA VERDE

1)- 9, 10 y 11 de noviembre: PARADISE IN A JAR ODYSSEY 2001 / Dairakudakan Kochuten

Sobre la obra.

Con Paradise in the Jar Odyssey 2001 Dairakudakan nos propone una fascinante aventura en la que acompañamos a una familia muy particular, una odisea compuesta por una sucesión de escenas llenas de imágenes fantasmagóricas y momentos poéticos, de un humor grotesco pero también de una belleza sublime. Lo macabro y lo mágico se dan la mano en un ejemplo de libertad creativa que intenta traspasar las fronteras entre la danza y el teatro, a la vez que las limitaciones de ambas disciplinas, y en el que el humor y el drama se mezclan. Ese ha sido siempre el objetivo de la compañía de Akaji Maro y el camino que Kumotaro Mukai ha decidido seguir. En palabras del propio Maro “cuando coges toda esa miseria y le das la vuelta, ésta puede llegar a brillar”.

En el escenario, nueve intérpretes de ‘butoh’ escenifican esta aventura rodeados por un acompañamiento escenográfico mínimo a la vez que muy significativo e impactante. Sus únicas herramientas son sus propios cuerpos, casi desnudos, a los que consiguen liberar de las convenciones del lenguaje corporal para convertirlos en el medio con el que expresarse de una forma directa, casi primaria, y que ha conseguido conectar con el público de los más diversos lugares del mundo. El espectador, frente a la extrañeza del mundo que observa, interpreta la obra desde su propia subjetividad.

Sobre la compañía.

Dairakudakan, fundada en 1972 como una de las primeras compañías de danza ‘butoh’, fue creada por Akaji Maro, basándose en los principios ‘Tempu-Tenshiki’ (nacer en el mundo es ya de por sí tener un gran talento), creado por Maro.

 Aparte de ser un apasionado creador de nuevas obras, la otra misión de Maro es la de motivar a los integrantes de su compañía para que desarrollen su propia forma de expresión. Él cree en la idea del Ichinin-Ippa (un bailarín, una escuela). Como resultado, se ha ido desarrollando el proyecto kochuten, a través del cual los bailarines herederos de Maro desarrollan su creatividad y su forma de expresión en busca de nuevas formas de danza y de talentos que lideren el futuro de Dairakudakan. Dairakudakan aparece en la escena internacional en 1982 con el estreno mundial de Kaiin no Uma (El Caballo del Marinero) en Avignon. Desde entonces la palabra ‘butoh’ ha tenido un gran impacto en otras formas de danza contemporánea. Esta agrupación ha interpretado las obras de Maro en cerca de diez países de todo el mundo, estando en los principales centros de danza a nivel mundial en ciudades como Nueva York, San Francisco o Tokio.

 La compañía Dairakudakan ha sido galardonada en cinco ocasiones (1974, 1987, 1996, 1999, y 2007) con el Premio de la Asociación de Críticos de la Danza Japonesa (Buyo Hihyoka Kyokai), uno de los más prestigiosos dentro del mundo de la danza en el país nipón.

 Maro Akaji es una de las principales figuras del mundo del butoh, miembro de la primera generación de bailarines que tuvieron relación directa con el mítico Tatsumi Hijikata. En 1972 fundó en solitario la compañía de butoh Dairakudakan, irrumpiendo controvertidamente en la escena artística japonesa e internacional, desarrollando conceptos estéticos y técnicos.

 Su fama y prestigio superan el ámbito del butoh y Dairakudakan; aparece también en multitud de películas y series de televisión, entre sus interpretaciones destacan las realizadas en Kill Bill o en El verano de Kikujiro. Akaji Maro es considerado uno de los creadores más importantes e influyentes del Japón actual. Es visto como uno de los renovadores del butoh, y sus aportaciones han contribuido a la influencia de este sobre la danza contemporánea occidental.

 Kumotaro Mukai se unió a Dairakudakan en 1994 y, tras años de formación, lanzó la trilogía Paradise in the Jar Odyssey 2001 (2001),Return of the Jar Odyssey (2003) y The Jar Odyssey III (2005), que ha presentado en escenarios como la Japan Society de Nueva York, el Nuevo Teatro Nacional en Tokio o el Nuevo Teatro Nacional de Corea en Seúl.

 Tras ser galardonado con el Premio de la Asociación de Críticos de la Danza de Japón por su trabajo como coreógrafo ha continuado explotando esta faceta de su carrera, así, en 2006, creó Tiger’s Cave y, al año siguiente, Odoro Baby que se sigue representando en Tokio, convirtiéndose en la figura más relevante de Dairakudakan tras su creador y director, Akaji Maro.

2)- 12 y 13 de noviembre: EN PLATA / Enclave Español, Antonio Pérez y David Sánchez (España)

Sobre la obra.

En Plata surge de la necesidad de transmitir, expresar y desarrollar nuevos lenguajes de la Danza Española. Experimentar a partir de la esencia y las raíces de la Danza, con la versatilidad que este arte representa. Investigar y divulgar la cultura española.

La línea coreográfica que se elabora en el proyecto potenciará desde el rescate de las raíces de la cultura española hasta la evolución de las nuevas tendencias. Una parte fundamental es la de preservar el patrimonio cultural artístico español con la recuperación del estilo propio, que forma parte de la historia como es la Escuela Bolera. Además de combinarlo con diferentes disciplinas como es la Danza Estilizada y el Flamenco.

Con este proyecto de gran alcance y espíritu emprendedor se pretende enriquecer, fomentar y complacer al público de todo tipo, nacional e internacional ávido de nuestra cultura española. La elaboración de este trabajo implica un elenco de intérpretes que pueden enfrentarse profesionalmente con experiencia y madurez artística, fundamentada en trayectoria y conocimiento interpretativo. Los bailarines logran transmitir los diferentes registros interpretativos y estilísticos que abarcan cada una de las piezas del espectáculo.

Sobre la compañía.

Antonio Pérez y David Sánchez son los artífices de esta aventura que pusieron en marcha a finales del 2010. Amantes de la Danza Española, su trayectoria artística se inicia en el Ballet Nacional de España. Desde una edad temprana tuvieron la oportunidad de trabajar con los mejores coreógrafos, compartir escena con grandes intérpretes y presentar las obras más representativas de la Danza Española y del Flamenco. Su admiración constante por el arte y la madurez artística adquirida por una carrera escénica llena de experiencias, ha unido a estos dos artistas para llevar a cabo el maravilloso espectáculo En Plata.

Antonio Pérez es el coreógrafo responsable del espectáculo. Conocedor del estilo español y creador de piezas representativas del momento, se enfrenta a su mayor reto con este enclave de coreografías donde combina su creatividad con diferentes estilos de la Danza Española. Concibe una visión personal donde combina nuevos conceptos coreográficos, tratamientos musicales, diseños de iluminación y vestuario, acercándose a las tendencias actuales de la danza.

En esta ocasión comparte con la invitada Nella G. Madarro, que ha sabido plasmar junto al compositor Francisco Vidal, la esencia del baile flamenco en las coreografías del espectáculo.

3)- 18 y 19 de noviembre: ANIMAL / Compañía Daniel Abreu (España)

Sobre la obra.

Animal es un trabajo coreográfico de cinco intérpretes, que se presenta en una atmósfera onírica para hablar de la necesidad y el deseo. Un discurrir de cuadros y escenas superpuestas de las respuestas físicas emocionales, de las situaciones límites y el instinto de lo más cotidiano.

El trabajo, sin un hilo argumental clásico, muestra un recorrido de imágenes de lucha, de necesidad, de descanso, de amor, de secuestros emocionales. Acciones ligadas a la idea de la animalidad y la supervivencia. La mezcla de danza y acción, propias del estilo de la compañía, así como los textos de Marina Wainer, se entremezclan y viajan para sugerir escenas del mundo impulsivo, que nos mueve hacia las cosas o las situaciones.

Sobre la compañía.

La Compañía Daniel Abreu nace en el año 2004, presentando hasta la fecha más de treinta trabajos coreográficos. Daniel Abreu, director y creador, ha cosechado varios premios, así como un reconocimiento que le ha llevado a estar presente en la programación de teatros y festivales nacionales e internacionales.

Los trabajos de la compañía se presentan como viajes, cuadros e imágenes en acción, estando algunas de las producciones a mitad de camino entre la danza y la acción.

Este trabajo que aquí presentamos, titulado Animal, está coproducido por el Mercat de les Flors, el Auditorio de Tenerife y con el apoyo del proyecto europeo Modul Dance, del que la compañía forma parte. Daniel Abreu, natural de Tenerife, es licenciado en Psicología por la UNED, bailarín, coreógrafo y director de su propia compañía.

Ha trabajado como intérprete en varias compañías de danza y teatro de España, así como colaboraciones como asistente de creación. Ha realizado más de treinta trabajos coreográficos que han sido presentados en más de 18 países de Europa y América Central y del Sur. Además ha realizado coreografías de encargo para distintas compañías y festivales como Proyecto Titoyaya y Teatr Tánca Zawirowania entre otras.

Actualmente es uno de los artistas del programa europeo Modul Dance, liderado por el Mercat de les Flors.

4)- 23 y 24 de noviembre: I RIMASTI / Compagnia Simona Bucci (Italia)

Sobre la obra.

“En casi todo lo que me rodea, veo una oportunidad para la danza. Sin embargo, algunas situaciones, imágenes, o naturalezas resuenan en mí con más fuerza. La visión del pintor divisionista italiano Angelo Morbelli, en Il Natale dei rimasti (1903), resonó en mí y descubrí una correspondencia profunda entre los sentimientos que evoca la pintura y el deseo de que se reflejen en la danza”. Simona Bucci.

La pintura presenta una gran sala de un hospicio para personas sin hogar el día de Navidad. La sala no dispone de ninguna decoración a excepción de las mesas grandes y de los bancos sobre los que los residentes pasan su tiempo. Cinco figuras, I Rimasti (los que quedan) están presentes, confundidos, resignados, abandonados, inmersos en su melancolía cargada de una profunda tensión emocional. La desolación de los sin techos, esperando un pariente que nunca llega. La luz y las sombras, el vacío y el pleno, se perciben como elementos metafóricos que nos desvelan un aspecto doloroso de la existencia.

Al igual que en la pintura, la coreografía enfoca nuestra mirada en la inmovilidad de estas figuras, encerradas en su soledad, y participa en la descomposición de esta imagen estática para revelar las características cromáticas de cada personaje y cómo cada color se combina con los demás para crear los aspectos unificadores de su propio mundo.

Sobre la compañía.

Simona Bucci, bailarina y asistente de la compañía Alwin Nikolais Dance de Nueva York, ha actuado en los teatros más importantes del mundo, como la Ópera de París, el Anfiteatro Romano de Verona, el Teatro Olimpico de Roma, el Théâtre de la Ville de París, o en Seúl (Corea) y Kuopio (Finlandia). Coordinadora de la Accademia Isola Danza de la Bienal de Venecia; asistente de Carolyn Carlson; directora artística de la Compagnia Imago, fundada en Florencia en 1983. Simona Bucci crea su propia compañía en 2002: Compagnia Simona Bucci y estrena Di Ombre Cerchiati gli Occhi, una coproducción de la Bienal de Venecia y de la Fondazione Regionale per lo Spettacolo del Friuli Venezia Giulia.
En Noviembre de 2003, estrenó Indissolubile eco, inspirado en Disparate matrimonial, de Francisco Goya.
En 2004, estrenó Path, un solo dedicado a Alwin Nikolais y Nik.
En noviembre de 2005 estrenó una nueva obra para cinco bailarines: IRimasti, galardonada con el Primer Premio del Concorso Coreografico Coreografo D’Europa y Mejor Producción italiana de 2005, por Danza & Danza. 
En diciembre de 2006 coreografió Cenere para la compañía Carolyn Carlson CCN – Centre Chorégraphique National de Roubaix.
En 2007 la Bienal de Venecia le encargó Arresi alla notte, que ha sido presentado en el V Festival Internazionale di Danza Contemporanea, obra co-producida por el Oriente Occidente Festival. En 2008 coreografióGiorgio e il drago, pieza para niños con tres bailarines.
En 2010 creó Boxville, un espectáculo para el público joven, y un homenaje a Alwin Nikolais en el centenario de su nacimiento (1910-2010). Su último trabajo (2011) es Giuditta e Oloferne, una coproducción Fondazione I Teatri di Reggio Emilia, con el apoyo del CCN – Centre Chorégraphique National de Roubaix.

Poppea / POPPEA–Gauthier Dance Company (Alemania)

Dirección artística compañía: Eric Gauthier
Coreografía: Christian Spuck
Colaboración coreográfica: Alexandra Brenk
Música: Martin Donner, Claudio Monteverdi, y otros
Bailarines, intérpretes: Maria Deller-Takemura, Marianne Illig, Garazi Perez Oloriz, Anna Süheyla Harms, Armando Braswell, Eric Gauthier, Florian Lochner, Rosario Guerra, William Moragas
Maestro de ballet:Renato Arismendi
Escenografía:Emma Ryott, David Fitzgerald (Asistente)
Vestuario:Emma Ryott
Iluminación:Reinhard Traub
Dramaturgia:Dunja Funke
Fotografía:Regina Brocke
Vídeo:Fabian Spuck

NEW WORK BY ÉDOUARD LOCK / La La La Human Steps (Canadá)

Dirección artística y coreografía:Édouard Lock
Bailarines, intérpretes:Diego F. Castro, Mi Deng, Talia Evtushenko, Sandra Mühlbauer, Grace-Anne
Powers, Alejandra Salamanca López, Jason Shipley-Holmes, William Lee
Smith, Zofia Tujaka, Márcio Vinícius Paulino Silveira, Kai Zhang
Música:Gavin Bryars (compositor), Blake Hargreaves (compositor) Njo Kong Kie, pianista
y director musical, Jean-Christophe Lizotte, chelo, Jennifer Thiessen, viola, Ida
Toninato, saxofón
Escenografía:Armand Vaillancourt
Vestuario:Liz Vandal
Iluminación:Édouard Lock

PARADISE IN A JAR ODYSSEY 2001 / Dairakudakan Kochuten

Dirección artística: Akaji Maro
Productor: Yoko Shinfune
Coreografía: Kumotaro Mukai
Bailarines: Kumotaro Mukai, Takuya Muramatsu, Ikko Tamura, Atsushi Matsuda,
Tomoshi Shioya, Barabbas Okuyama, Daiichiro Yuyama, Kohei Wakaba,
Akaji Maro (actuación especial)
Escenografía: Kazuhiko Nakahara
Vestuario:Dairakudakan
Iluminación: Noriyuki Mori
Sonido: Katsuo Seki
Fotografía: Junichi Matsuda

EN PLATA / Enclave Español, Antonio Pérez y David Sánchez (España)

Dirección artística: Antonio Pérez – David Sánchez
Coreografía: Antonio Pérez, Nella G. Madarro (Flamenco)
Bailarines, intérpretes:David Sánchez, Antonio Pérez, Carmen Angulo, Sara Arévalo, Estela Ayuso, Ana del Rey, Remei Domingo, Mª A. Fernández, Lucía Padilla, Montserrat Selma, Cristian García, Oscar Manhenzane, Daniel Morillo, Alberto Quejido, Cristian Pérez, Andoitz Ruibal, Javier Sánchez
Vestuario:Carmen Granell, Lourdes B., Mª del Carmen Rodríguez
Iluminación: Olga García
Fotografía:Guillermo García, Juan Berlanga

ANIMAL / Compañía Daniel Abreu (España)

Dirección artística y coreografía:Daniel Abreu
Música:Collage
Bailarines, intérpretes: Anuska Alonso, Daniel Abreu, Álvaro Esteban, Álvaro Frutos, Dácil González
Escenografía: Daniel Abreu
Vestuario:La compañía
Iluminación:Irene Cantero

I RIMASTI / Compagnia Simona Bucci (Italia)

Dirección artística y coreografía:Simona Bucci
Música original:Paki Zennaro
Bailarines, intérpretes:Luca Campanella, Roberto Lori, Carlo Maggiore, Paolo Mereu, Carmelo Scarcella
Escenografía:Simona Bucci
Vestuario:Simona Bucci
Iluminación:Valerio Alfieri – Andrea Margarolo

Material no disponible.

Material no disponible.

Espectáculo fuera de cartel.

Espectáculo fuera de cartel.